來自澳洲、日本、香港的27位舞者之中，只有梅卓燕在大盒現場演出，卻沒有覺得不夠。Sue Healey，值得留意的跨界別編舞。

1/ 疫情殺到香港將近兩年，綫上綫下結合，錄播和現場演出結合的表演看了不少，《觀．影：城市舞畫組曲》（ON VIEW: Panoramic Suite）是少有地令人讚嘆的疫後應變作品。

2/ 澳洲藝術家Sue Healey擔任舞蹈影像導演及編舞，和澳洲、日本、香港的27位舞者合作，歷時七年，在最後階段遇上疫情。去年於日本公演的《觀．影：城市舞畫組曲》包括了現場演出及裝置展覽，至今年十月在澳洲公演變陣為網上演出。上周在香港自由空間公演再變陣為裝置展覽及舞蹈家梅卓燕現場演出。

3/ 在自由空間大盒上演的《觀．影：城市舞畫組曲》，黑盒空間四邊，一邊是小型舞台，台上排列了Jane Théau的textile人像雕塑。另外三邊是不同形式的屏幕。一邊是三重頂天立地半透明布幕，對面是一列五個高掛的較小型屏幕，最後一邊是比成年人高一點又有點斜度的單幅大型屏幕。大盒中間放了一些圓筒型座位，給觀眾自由使用。

4/ 入場時，屏幕已在播放27位舞者的表演，梅卓燕很快便在舞台上起舞，和舞者人像雕塑互動，約一個多小時的演出，梅卓燕不單單停留在舞台，而是滿場飛，以不同的造型和道具演出，包括貓面具和紙張，人臉面具，一束白花，摺扇，白煙，在場內不同的位置起舞，同時似在呼應屏幕上播放的影像。

5/ 播放的影片，見到舞者們各自在不同場地，或室內或室外舞蹈。27位舞者，由28歲到106歲，不同種族、文化，舞藝的構成和風格大不同，在Sue Healey的整合下，極美，沒有遺和感。

6/ 三邊屏幕，提供不同視點。頂天立地的屏幕足夠讓所有舞者分格登場。高掛的屏幕列，讓觀眾能同時以不同距離、不同視點觀看同一舞者，亦能讓觀眾同一時間看到五位舞者的三個面貌。人咁高的獨立屏幕能放大一個畫面，也會讓兩位舞者並置。三邊屏幕，亦時有互動。

7/ 27位舞者的舞蹈生涯應各有做事，但《觀．影：城市舞畫組曲》不講故事，回歸舞蹈本身，Sue Healey讓舞者和觀眾透過舞蹈感受不同的城市空間。106歲的Eileen Kramer和古樹共舞非常詩意。淺井信好在橋上掙扎令人不安。另外，舞者與一種動物的「雙人舞」也很好看，陳敏兒和變色龍共舞，瑰麗神秘。原沙織與龜互動，凌厲的眼神和自在的龜形成強烈對比。

8/ 疫情下，世界各地表演藝術工作者都嘗試、探索各種有別於傳統的表演方式：表演者不站在同一個舞台能否合演？觀眾不和表演者面對面，演出的dynamic如何維持？ 從觀眾的感受出發，《觀．影：城市舞畫組曲》用多視點彌補表演者不在場的不足，Sue Healey的導演和編舞固然厲害，低調、華麗、不張揚的選擇，要觀眾目不暇給，卻看得舒服。

（文本無題，現題為編輯所擬）

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來自澳洲、日本、香港的27位舞者之中，只有梅卓燕在大盒現場演出，卻沒有覺得不夠。Sue Healey，值得留意的跨界別編舞。1/ 疫情殺到香港將近兩年，綫上綫下結合，錄播和現場演出結合的表演看了不少，《觀．影：城市舞畫組曲》（ON VIEW: Panoramic Suite）是少有地令人讚嘆的疫後應變作品。2/ 澳洲藝術家Sue Healey擔任舞蹈影像導演及編舞，和澳洲、日本、香港的27位舞者…

《觀．影：城市舞畫組曲》 — 目不暇給卻看得舒服

一年前的今天（2020-12-28），傅聰不敵武漢肺炎病逝英倫。回看他與父親及長輩的往史，仿如悲劇命運的無限迴轉。

在華人社會，他與父親傅雷的家書，向來被廣為傳讀。他生前的演奏會，往往一票難求，聽眾恍如要從現場的琴音中，追溯傅家的種種往事。而他的黑膠唱片還是 CD錄音，因年代久遠或是獨立廠牌的發行安排，流通量也不高。這些種種，讓傅聰的名字充滿傳奇色彩。

傅聰逝世的消息一出，除了在華人世界被廣泛報導外，不少同輩甚至晚輩的鋼琴家，由阿嘉莉殊（Martha Argerich）以至2010年蕭邦國際鋼琴大賽首獎得主亞夫迪娃（Yulianna Avdeeva ），均發悼文以示惋惜。亞夫迪娃更說能夠認識傅聰這位對她滿有啟發、仁慈、及光芒的恩師，是她人生的榮幸。亞夫迪娃滿有知性、深入理解樂曲紋理的演繹手法，可說是與傅聰同出一門。

傅聰指下展現出來的音樂，思路清晰、條理分明。不論是單一旋律到複音樂句，均力求清晰展現。他演奏的蕭邦，沒有很多音色上的塗脂抹粉，反倒是以抒情如歌的線條，展現作品極為豐富的肌理，更著力去營造樂段之間的戲劇張力，以表現一個藝術上的論述（statement）。在2004年與焦元溥的訪問中，傅聰認為「鋼琴家只要能細心研究樂曲，思考作曲家筆墨間的提示，以及樂曲本身結構、調性、情感各方面的設計，自然便能深入作品而表現出正確的詮釋。這便是認真於音樂的演奏家。」

傅聰一生專注演奏的作品，除了蕭邦以外、都環繞著如D.史加拉第（D. Scarlatti）、莫扎特、舒伯特及德布西等作曲家筆下的創作，沒有很多在鍵盤上的炫技時刻，卻以深刻內省的思路，展現音樂的內在。而且在他的彈奏中，力求一種古典均稱的美感。也許，這會是傅聰對理想世界的投射。

當樂迷再無法親歷傅聰的現場演奏，網絡世界的海量資源中，逐漸發現四方樂迷從黑膠唱片轉檔、電台廣播節錄、甚至現場觀眾的風衣，充斥不同的影音平台。要聆聽傅聰的演奏，似乎再不用四周搜尋天價二手唱片。而傅聰逝世後的一年，兩大唱片商同時發行傅聰黃金時代先後在西敏寺（Westminster）及美國哥倫比亞 (CBS)的錄音CD套裝，當中不少更是首次正式數碼化。今天我們在彈指之間，就能重溫斯人昔日的演奏，實在是現代樂迷的福份。

如今，斯人已逝，在傅聰留下僅存的錄音當中，或許可讓我們追思在大時代當中，怎樣去探求理想的美好。

【文：藍卓露】一年前的今天（2020-12-28），傅聰不敵武漢肺炎病逝英倫。回看他與父親及長輩的往史，仿如悲劇命運的無限迴轉。在華人社會，他與父親傅雷的家書，向來被廣為傳讀。他生前的演奏會，往往一票難求，聽眾恍如要從現場的琴音中，追溯傅家的種種往事。而他的黑膠唱片還是 CD錄音，因年代久遠或是獨立廠牌的發行安排，流通量也不高。這些種種，讓傅聰的名字充滿傳奇色彩。傅聰逝世的消息一出，除了在華人世…

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如果，我們可以好好的去聽傅聰……

為什麼要是莫扎特小彌撒曲？它們有什麼特別的價值？聽了現場的音樂，給莫扎特的音符拍動過腦袋，覺得這個計劃，非常有價值。

2021 年 11 月 28 日，<a href="https://www.cuchorus.org.hk/">香港中文大學合唱團</a>舉辦了一場久違的現場音樂會。地點非常特別：紅磡聖母堂，而旅程也很有趣：莫扎特「小彌撒曲全集」的首場。

為什麼要是莫扎特小彌撒曲？雖然我知道合唱團的計劃，但去聽的時候，還是不禁要帶着這個疑問。為什麼要演莫扎特非常年輕時的作品？它們有什麼特別的價值？

聽了現場的音樂，給莫扎特的音符拍動過腦袋，覺得這個計劃，非常有價值。

莫扎特的小彌撒曲，一共九首，都是年輕時寫的作品。第一部小彌撒曲，寫於 12 歲。

指揮朱振威在這個「講座音樂會」中，簡述莫扎特所處的十八世紀彌撒曲常見的特點：常用經文 (Ordinary) 中的指定章節，然後取了幾個特別的部份，嘗試闡述年輕莫扎特在其中的心思。

這個部份，嘗試為觀眾提供一個欣賞的指南：譬如，當歌詞是「從天降下」(descendit de caelis) 的時候，音符總要是向下，還要是一個一個聲部接二連三：

又或者是在唱「除免世罪」(Qui tollis peccata mundi) 的時候，小提琴演的是短長—短長的節奏型。朱振威解釋十八世紀的情感 (Affekt)，其理論在於某些情感可以特定的音樂形態表現。而這個短長的音型，傳統上與鞭打相近。

這些音樂與經文的細節關連，學音樂的人大抵會在不同的學習過程中經歷過，當然我們或許未必能把它們通通都記下了。可是，莫扎特以他十二歲時的觸覺，來為這些文字添加着色，除了令人欣賞他的才華之外， 這些年少時所寫的小彌撒曲，還提供了一道給身處現在的我們身處，感受與理解以往音樂絕佳的橋樑。

這道橋連接了些什麼？我認為它連接兩種我們已經失去的認知。

第一，現今的人對「禮文」(liturgy) 這個慨念，其實都非常陌生；特別是身處香港的人，怕且已經沒有太多接觸「禮文」。「禮文」本義是酬神宗教祭祀之用，其遣詞用字也相對固定，既經年月洗禮，文字變化相對較少。禮文中的字本意為何，甚至是什麼文字，大抵不容易理解。很多有接觸禮文的人，怕且也只是停留在「唸口簧」階段。

中國人社會最接近的禮文，諸如《大悲咒》一類的「唸佛」。如果有基督教信仰的，聖公會的《公禱書》較為長篇幅的禮文，即使是其他新教徒，最常唸而共通的，就有《主禱文》。

新教與天主教的禮文，現在大都是用英語；只是用中文的話，也會殘留着舊體中文的別扭。如果不是教會信眾的話，香港人雖知「阿彌陀佛」四字，但我想懂唸《大悲咒》應該寥寥可數。更嚴重的，不論哪個社會，現代人身處的環境，怕且沒有一套禮文是世界通行的。

這一點，與十八世紀的歐洲相距非常遠。

莫扎特身處的歐洲，教會是人生最重要的一個公共組織，它甚至比市議會，政府還重要。出生到教會領洗，戶籍從洗禮才開始，登記死亡的冊子，也是教會保存，因為墓地大都是教會管理的；教堂的鐘為大眾報時，日出日落、工作休憩，教會都在生活中留下長長的影子。

而每周日的彌撒 (Missa)，也是歐洲人的的共同體驗。每逢周日到教堂望彌撒，領聖餐，隨着教會節期而記念不同的事，彌撒的禮文也隨着節期而稍有不同。雖然，十六世紀宗教改革後，歐洲出現了不一樣的體系與禮拜，稱為新教的各種宗派，為禮拜添上不同的儀式和禮節，但是莫扎特出生的奧地利帝國，與德國最大不同，就是她仍是崇大公之天主教會（正如彌撒中《信經》中的一句 “[credo] in unam sanctam catholicam et apostolicam Ecclesiam"，就是「[我信] 唯一，至聖，至公，由宗徒傳下來的教會」，Catholic Church 一詞也由此而來）。彌撒所用的禮文，就是十六世紀特利騰大公會議 (Council of Trent) 以降所用的拉丁文禮文。

到了十八世紀，拉丁文老早已經不是日常生活的語言，禮文中每個字的意思，怕且不可能通通都曉。更甚者，一般百姓大抵沒有太多人能通篇每記得，而是停留在人唸我唸，唸喃嘸一般的「唸口簧」階段。

話雖如此，長篇的禮文，總有些地方較為突出。例如，我認為較為突出的，應該先數最簡單的一段禮文《憐憫經》。它只有這幾句：


<p>Kyrie eleison<br>
Kyrie eleison<br>
Kyrie eleison</p>

<p>Christe eleison<br>
Christe eleison<br>
Christe eleison</p>

<p>Kyrie eleison<br>
Kyrie eleison<br>
Kyrie eleison</p>


這幾句是「主，憐憫我們」，「基督，憐憫我們」，聽過一次之後，即使不懂拉丁文，或許都會記得那喊三次的憐憫悲情（這句其實是希臘文， 反正你不懂拉丁文，它是希臘還是拉丁也沒相干）。

又或者，有些拉丁文的詞語，其實與現代的語言非常相似。例如前文中的「descendit」，與英語「descend」大概也很像吧（<a href="https://www.youtube.com/watch?v=ifDMmG3yAHM&amp;ab_channel=SPST%E5%B0%8F%E7%99%BD%E5%B0%8F%E7%BF%A0">好好好好好</a>，德語中的這句，動詞常用的是不太像的「gekommen」 (arrive, come)，但是請留意莫扎特年少時就已經懂流利的意大利語；那句用的是「discendere」）。

當然，拉丁文是現今很多語言的重要源流，這一點大家應該知道的。但是，我們與拉丁文的語境，老早已經脫了節。就算是讀音樂的學生、唱合唱的團員，或許在一生不同場合，也接觸過拉丁文，但肯定未必個個能像十八世紀的人，如此熟悉每個周日也要「唸口簧」的禮文。

於是，莫扎特的小彌撒曲，提供了一個直接而簡易的環境，讓我們嘗試瞭解常用的拉丁文，怎樣被一位小子演繹。這裹的重點，是「小子」。

他是一位只有十二歲的小子，以他每周日都唸的禮文，為其中每一個字配上音樂。雖然他是「音樂天才」，擁有多種語言的能力，但是拉丁文作為禮拜用的固定語言，怕且對他而言，頂多只是「耳濡目染」。當然，我相信他超越了「唸口簧」的階段，但我想他與通盤瞭解全部禮文，還有一段距離（其實也沒有必要；他不是矢志要做「和尚」）。

如此，某些字與某些聲音的關聯，是自然不過的；descendit 總要向下，Kyrie eleison 的重音除了在開頭的 "Ky-" 之外，就是 "e-LE-i-son" 中的第二音節。

這些「潛規則」，自然得就像與生俱來，就像他音樂的感覺，渾然天成。但是，這種「與生俱來」對文字的感覺，到了我們的世代，絕大部份都喪失了，因為這些文字已經不再用，這些演繹文字的傳統，已經斷開了。這些感覺變成了「知識」，要「學習」才能獲得 。

而從莫扎特的小彌撒曲中，我們卻獲得一扇小窗，窺見這些即使是年輕小子也能明白、音符與文字的關係。

所以，作為聽眾，我們可以把莫扎特年少時的作品視作跳板，去理解更複雜的彌撒曲：巴赫的 B 小調、海頓的《尼爾遜》，裏面文字與音樂有着非常深厚的關聯，有更多更深層次的應用（例如怎樣演繹<a href="http://www.sfchoral.org/site/bach-b-minor-mass/">語言不能知曉</a>？）裏面有着論文也寫不完的討論。

莫扎特年少時簡單直接的音樂，提供了一個很適切的跳板。

第二，它連接起我們將要認識、也較為熟悉的成年莫扎特。

在演出前的一個星期，朱振威和我討論莫扎特在寫這彌撒曲時，莫扎特的生活細節，對於他寫的音樂產生什麼影響。特別是第二首 D 小調彌撒曲，其一是用了將來《安魂曲》用到的「招牌」D 小調，內裏的音樂也特別多的不安；或許這與他與姊姊感染了天花。染得天花，不單生命受威脅，他還<a href="https://pubmed.ncbi.nlm.nih.gov/17539792/">短暫地失明</a>，即使沒有送掉性命，很多人都「手尾長」。

作者如何表達自身的想法？舉例說，如果我們認為「莫扎特自己得病，擔心得要死，音樂或許因而充滿不安」。這裏有三個部份：莫扎特自己得病為事件，我們大概知道其史實。「擔心得要死」，就得要找一些文字佐證。

莫扎特年少時雖有書信，但是一如小朋友寫的信，內容離不開生活瑣事與簡單問候，或者表達對媽媽與姊姊的想念（例如，「<a href="https://dme.mozarteum.at/DME/briefe/transcrscan_syn.php?g=Zm49Li4vb2Jqcy9yYXJhZG9jcy90cmFuc2NyL2h0bS9CRF8xOTEuaHRtI3BnMiZpbj0uLi9vYmpzL3JhcmFkb2NzL2ZhY3NpbS93ZWIvbmEuanBn">我要親吻媽媽與姊姊的手一千遍</a>」）。而且，莫扎特年少其實不是自己寫信，而是搭老爸家書之便，在後頭搭兩句咀。

而十二歲的這次旅遊，他卻是與姊姊一起。所以，莫扎特根本沒有寫信。在書信或日記中，我們沒有辦法從第一身去瞭解莫扎特想些什麼。於是，「擔心得要死，音樂或許因而充滿不安」這關聯，並不是水到渠成的推論。

對我而言，沒有文字佐證還只是其中一個問題。以自身處境與情感為第一身，關聯上當時音樂的感情，這推論的前提，就是音樂是作為情感表達的媒體。

<b>這一點，我是抱有懷疑的。</b>

我認為，這種「作曲家主體」、以音樂為情感表達的想法，是經十九世紀浪漫主義洗禮過後才有。對於莫扎特而言，音樂本來就是工具；彌撒的音樂，是作禮拜的工具；寫小夜曲，是為市內活動的工具。音樂家本來就是工匠，提供出來的，就有功能上的價值。

這就像餐廳東主，為了令食肆不是太過「靜英英」，選些音樂來播一樣。音樂固然反映到某些東主的喜好，但或許東主考慮的，是<a href="https://www.ipd.gov.hk/chi/intellectual_property/copyright/Playing_of_song_and_broadcasts.htm">播放音樂所需的牌照費用</a>的多少。音樂，在這種情況，是功能性的。

雖然，音樂帶着情感，但是這種情感，在彌撒曲的框架下，還要受到一定的制約。彌撒曲的詞，不能修改絲毫（海頓能改歌詞，<a href="https://baroque.boston/haydn-lord-nelson-mass">都只是因為他忘掉了</a>）；其樂章的主旨，也有其禮儀的本義。

但是，當歌詞交到作曲家手上之後，作曲家卻有着制約下的自由，去如何將每個子以音符着色。因着這些着色的不同、側重點不同，為整體的外在情感帶來差異。

這種在制約中的自由，突顯出莫扎特如何掌握音樂最基本的規矩，從中變化更改。有時只為無聊，有時卻是意興大發，但萬變卻不離其「宗」：就是禮文的用字，一點也不能改變。在制約中，見到莫扎特如何令自己自由，如何找到突破，更重要的，是如何讓人聽得出他的音樂言之有物。

而更重要的一點，就是唱歌本來是人與生俱來的音樂活動。旋律亦是歌曲中的靈魂。莫扎特能在彌撒的制約中，找到自己的聲音和創作有趣之處，繼而寫出動人的旋律，讓人即使不全懂得每個字，也能感受到文字底下更深的情感。這些小彌撒，或許還未觸及到靈魂的深處，但是它們卻成為將來歌劇界叱咤風雲，讓人以歌曲感受人間瘋狂百態，而在早年所下有效的基本功。

莫扎特早年的歌劇，或許還太幼稚。他的彌撒，卻是自然而有功架。每部歌劇劇本不同，不容易令自己覺得深刻；相反，彌撒千篇一律，但音樂在上而變化，卻慢慢令文字深化。到了後來，這種對文字深刻的觸覺，用在歌劇之上，成為普及而廣受歡迎之作；用在宗教作品之上，讓人一窺宇宙、靈魂深處的奧妙。

於是，莫扎特年少時簡單直接的音樂，提供了一個進深音樂深處適切的跳板，也推使我們去認識之後的十九世紀，如何讓音樂成為人類感情載體的進程。

歷史重來都沒有「原貌」，因為只要時間過去，傳統、習慣、風俗與共感，都會因着人群遷徙、經濟發展以至權力更替而流逝。所以，如何欣賞來自往昔的「作品」，解構其意義，往往需要大量的資料和研究。

但是，即使消化了大量資料，我覺得最重要的，還是有好的鑰匙，解開通往更深入、更詳細理解歷史的寶庫。莫扎特的小彌撒曲，簡單直接的情感，時而有趣的音樂擺設，彷彿打開了通往歷史原貌的一扇窗。瞭解它裏面的操作，花點心思瞭解莫扎特設計的動機，或許會讓我們更深入地認識那短暫而轉變快速的後十八世紀。

那是一個貴族還在專權，社會快速崩壞，但當時的人還未能想像以後出現的革命，貴族與仕紳們還在歌舞昇平的世代。莫扎特將在維也納叱咤風雲，憑的不單是自小天賦的音樂才華，還有紮實的功架和技法。在這個歌舞昇平的年代，他成為了最為有名的音樂家，也開啟了以後真正地讓作曲家成為音樂世界中心人物的世代。

所以這些小作品，即使表面上只是孩童的「練習」，但其細緻於靈巧，已經是非常值得欣賞。合唱團團員學習這些音樂，能夠從中仔細摸索文字與音樂的表現，久而久之，就是演繹巨著的基石。這些年輕時期作品，就是莫扎特的音樂之所以能夠觸及靈魂、述說永恆的前奏。

（原文刊於<a href="https://www.denniswu.com/" target="_blank">作者博客</a>）

為什麼要是莫扎特小彌撒曲？它們有什麼特別的價值？聽了現場的音樂，給莫扎特的音符拍動過腦袋，覺得這個計劃，非常有價值。2021 年 11 月 28 日，香港中文大學合唱團舉辦了一場久違的現場音樂會。地點非常特別：紅磡聖母堂，而旅程也很有趣：莫扎特「小彌撒曲全集」的首場。為什麼要是莫扎特小彌撒曲？雖然我知道合唱團的計劃，但去聽的時候，還是不禁要帶着這個疑問。為什麼要演莫扎特非常年輕時的作品？它們有什…

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莫扎特小彌撒曲：由淺入深的鑰匙

「能夠努力是一種天分。」——《藍色時期》第九卷

前陣子我在大館BOOKED: HK ART BOOK FAIR連續擺檔四天，其中遇到最多的是——我的學生。（各位不好意思，我常面盲認不出人來！尷尬笑~）讓我感到最驚喜的是，收到學生的兩份小禮物：一張聖誕卡、及一本PhotoZine，很是窩心呢~!

由Keith Tam邀請我回母校教書起，時光飛逝，不經不覺至今已七個年頭。從沒想過教這麼久，從母校開始，至今跨足不同機構與院校，接觸更多更廣更闊的學生群。本職是書籍設計專業的我，跨界設計教育，從來都是盡力把我從學院和業界的所知、所學、所想分享給學生。除了老師的身份外，其實我還是學生們的師兄／設計前輩，他們現在所經歷的一切我都經歷過，他們現在所有的迷惘、艱辛、痛苦我通通試過幾遍；因此才比較容易提出建議與指導。現在只是學子們設計路的剛起步，還有漫漫長路，若沒勇氣與毅力披荊斬棘，怎能走出一條屬於自己的康莊大道。

如果說設計有不二法門，我可以輕易告訴你：「勤力！」學生有才華 （Talent）又好，沒才能也罷，都不要緊。只要夠勤力，我敢打賭，山雞也能變鳳凰。有兩句老話我一直深信不疑，亦經驗證實：「將勤補拙」、 「Practice makes perfect.」若果天生才華能啃一輩子的話，這個世界就不需要大學設計教育了，設計與藝術必定有方法去學習與磨練的；只要用盡100%心力、出盡渾身解數，假以時日，必成大器。就算現在做不好，設計可以等人，一年、五年、十年，只要夠恆心毅力，默默耕耘，總有一天能做好。

我常對學生說，沒能成為最好沒關係，只要耗盡渾身力氣去創作，展現進步就夠了。如果學生每次也來導修課（Tutorial Lesson），跟著指導去重做、修改、潤飾，及獨立思考地去設計修正；一次、兩次、三次……必然會進步。不用跟別人比，跟自己比，跟過去的自己比就好。世界殘酷，沒事順遂，但設計學習反而是最能反映努力的成果；有付出，起碼有一點收穫。雖不成正比，但已比外面世界公平多了。

而有些學生若然不是真正熱愛設計、又不「捱得」的話，我建議不要繼續讀了，只會貼錢買難受。

P.S. 近年聽得最多學生對我的Feedback是「佢好惡架！」；沒辦法，本身師父從惡人谷出來，或許我深得真傳呢（笑~）！

<a href="https://www.facebook.com/307146706737172/posts/926645498120620/?d=n" target="_blank">作者Facebook</a>

「能夠努力是一種天分。」——《藍色時期》第九卷前陣子我在大館BOOKED: HK ART BOOK FAIR連續擺檔四天，其中遇到最多的是——我的學生。（各位不好意思，我常面盲認不出人來！尷尬笑~）讓我感到最驚喜的是，收到學生的兩份小禮物：一張聖誕卡、及一本PhotoZine，很是窩心呢~!由Keith Tam邀請我回母校教書起，時光飛逝，不經不覺至今已七個年頭。從沒想過教這麼久，從母校開始，至…

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【設計教育】沒能成為最好沒關係，只要耗盡渾身力氣去創作就好

「獅子山下」是香港人奮鬥精神的象徵，對於從新加坡移居香港的李福志而言，逆境自強的故事反而始於太平山頂。生前寂寂無聞的他，為香港五十年代的街頭面貌及鄉郊風情留下重要紀錄，若非攝影師及作家艾思滔（Edward Stokes）在山頂發現他的相片，他的故事或許至今仍不為人知。

<b>無師自通　山頂為遊人拍照</b>

生於新加坡的李福志是一名孤兒，從小已有自立的精神，1947年，二戰後的新加坡一片混亂，20歲的他懷着外出闖蕩的心態，搭輪船來到香港，投靠養父的外甥。這位表兄當時是照相館的合夥人，其弟弟也是一名攝影師。有次這位表兄帶李福志到太平山頂，眼見他為遊客拍攝的人像照片輕鬆賺取三元，等同當時一般勞工的日薪。李福志頓覺這不失為一條謀生之道，於是下定決心成為一名攝影師。

李福志教育水平不高，攝影也是無師自通，可他勝在勇於嘗試，拿着向表兄借來的舊蔡司相機，到山頂碰運氣搵食。舊器材雖然吃虧，但他很懂得挑選顧客，那裏經常有訪港的美國軍人和逃避內地戰亂來港的富有上海人，拍攝完紀念照後，翌日就將沖曬完的相片送往客人的居住地。當時正值國共內戰，大批難民湧入香港，1949年，港英政府以簽發身份證的形式登記人口，他因而獲得工作機會，為調景嶺的難民拍攝身份證照片，這次經歷也令他更堅定攝影的道路，之後他重回太平山頂，繼續為遊人拍照。另一邊廂，他也在香港成家立室，他和妻子帶着三個孩子，成為香港居民。

踏入1950年代中期，旅遊業成為香港重要的經濟支柱，然而隨着相機普及，遊客對旅行相片的需求減少，他改為拍攝香港熱門的景點，例如山頂俯瞰維港的景色、中式帆船、電車、人力車夫及新界圍村等，沖曬之後向遊客兜售，這個新出路曾為他帶來不錯收入，這些照片無形中也為1950年代的香港留下重要的視覺記憶。及後香港進行大規模填海工程，許多殖民地建築紛紛拆卸，李福志的照片彷彿封存1950年代的歲月時光。

隨着彩色相片慢慢流行，越來越少人買風景照片，加上攝影行業競爭激烈，有次李福志跟一位新來的攝影師發生爭執，更慘被毆打，厭惡這種環境的他，不得不另謀出路，無奈放棄攝影這門搵食工具，1960年代輾轉到粉嶺開士多為生。士多生意蒸蒸日上，他還擴充業務購入一架雪糕車，在上水鳳溪中學賣雪糕，擺檔逾二十年。其後轉行當看更，與攝影漸行漸遠。

<b>不見唯美光線　更見社會真實</b>

故事若到此為止，這些照片也不可能為後世所知。回歸後，他意識到香港舊照片的珍貴，於是將塵封多年的底片曬成相片，2003年重返太平山頂，出售1950年代拍攝的香港照片。2010年，艾思滔在山頂遊玩時遇見兜售舊照片的李福志，覺得他的舊照片很有歷史價值，及後二人多次見面，並着手出版李福志攝影集《流光迅影香港情》。遺憾的是，李福志在2012年辭世，享年85歲，未能見證影集的誕生。

由艾思滔創辦的「歷史遺珍攝影基金會」，今年（2021年4月1日至5月30日）曾與信和集團在銅鑼灣信和廣場舉辦香港與新加坡雙城攝影作品展，展出「李福志鏡頭下的香港」等。最近，艾思滔在亞洲協會香港中心策劃大型展覽《Recovery, Resilience, Resurgence》，展出包括李福志在內三位攝影師（還有Hedda Morrison及Brian Brake）逾八十多幅在香港拍攝的照片，呈現出香港在1940至1970年代三十多年的蛻變。

回首當年，李福志拍攝的原意是為了謀生，這令他與當時的沙龍攝影愛好者與別不同，他並沒有閒情逸致慢慢研究光影，在寫實攝影不流行的年代，他拍攝的城市街景的照片不見唯美光線，反而卻更見真實，記錄當時的社會面貌。

<strong>&nbsp;《Recovery, Resilience, Resurgence》</strong>

日期：2021年12月14日至2022年3月6日<br>
時間：11am-6pm（星期二至六）&nbsp;<br>
地址：金鐘正義道9號亞洲協會香港中心&nbsp; &nbsp;

顯影&nbsp;<a href="https://www.facebook.com/PhotogStory/">Facebook</a>&nbsp;/&nbsp;&nbsp;<a href="https://photogstory.com/">Website</a>&nbsp;/&nbsp;&nbsp;<a href="https://www.instagram.com/photogstory/">Instagram</a>&nbsp;&nbsp;

「獅子山下」是香港人奮鬥精神的象徵，對於從新加坡移居香港的李福志而言，逆境自強的故事反而始於太平山頂。生前寂寂無聞的他，為香港五十年代的街頭面貌及鄉郊風情留下重要紀錄，若非攝影師及作家艾思滔（Edward Stokes）在山頂發現他的相片，他的故事或許至今仍不為人知。無師自通　山頂為遊人拍照生於新加坡的李福志是一名孤兒，從小已有自立的精神，1947年，二戰後的新加坡一片混亂，20歲的他懷着外出闖…

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1950年代香港　塵封舊照片

疫情雖已放緩，但是旅遊限制沒有因而減少。由於隔離時間長，不少人古典音樂家也因而取消全球巡迴演出。然而牛牛(張勝量)卻不怕隔離，馬不停蹄去不同地方演出，除了因為想念各地樂迷外，更重要他相信古典音樂在疫症之中能夠演現人文關懷，不但慰藉心靈，更重要是鼓勵觀眾擁抱生命中的美好。

繼早前牛牛為日本觀眾演出最新專輯內的貝多芬《月光奏鳴曲》和《第五交響曲》的鋼琴版本後，他上星期特地為香港樂迷在香港管弦樂團的演出中帶來拉赫曼尼諾夫（Sergei Rachmaninoff）的《第二鋼琴協奏曲》，希望與更多樂迷在疫症中共勉。這首樂曲由於旋律浪漫滿分，廣受各大電影寵愛，不論日本經典愛情電影《交響情人夢》，還是美國漫威的《蜘蛛俠Ⅲ》（2007，版本）你也會聽到這首樂曲如何溫暖電影中每天對戀人。然而，牛牛選演奏曲時卻是懷抱人文大愛去思考如何演繹此曲。

牛牛已不是第一次公開演出這首《第二鋼琴協奏曲》，並於2014年跟華沙愛樂樂團為第四張專輯演出。相比之下，當年他剛剛從茱利亞音樂學院畢業，和在疫症中沉澱後的演出感覺十分不同，他以更成熟角度去反思這首樂曲在疫症之中的時代意義。「《第二鋼琴協奏曲》是拉赫曼尼諾夫提獻給醫治他抑鬱症的心理醫生，因為他在《第一鋼琴協奏曲》首演失敗後大受打擊。而《第二鋼琴協奏曲》正是他在治療的過程中所創作的樂曲」。拉赫曼尼諾夫由人生谷底走成到偉大作曲家的故事，再配合上當中《第二鋼琴協奏曲》最燦爛的旋律，讓觀眾感受到這位二十世紀的作曲家如何在精神最艱難的時刻，以他的創作發輝人性的光輝。面對疫症未平，牛牛更希望以音樂演出舒解大家在疫症中的壓力，就如《第二鋼琴協奏曲》完結時那樣的輝煌去迎手接更美好的明天。

擁有這顆美好的心，牛牛也不忘在隔離中保持自己的身心健康，以最佳狀態準備上星期的演出。對他來說，即使再熟悉的樂曲也要從心出發，好好準備，「演出前的最後階段我都不再死練曲子，因為這個時候還在死練就太遲。最重要的是精神上的練習，透過樂譜、錄影、規律的生活和做運動等的，讓自己在非常專注的狀態。」為了把內心對樂曲的奔放的情感好好感染台下每位觀眾，他更從不同鋼琴大師的演出獲取靈感，讓自己無論演出還是演釋更上一層樓。

要觸動觀眾心靈，也要先感動自己，「在今次準備《第二鋼琴協奏曲》時，彈奏到一些重要的樂句時，自己也有一種熱淚盈眶的感覺。雖然生活不盡如人意，但始終有好多的美好值得我們珍惜。」

這位從小已被譽為「神童」的牛牛，沒有辜負多年古典音樂和人文的滋養，不斷以自己擅長的方古典音樂為社會作出努力。

疫情雖已放緩，但是旅遊限制沒有因而減少。由於隔離時間長，不少人古典音樂家也因而取消全球巡迴演出。然而牛牛(張勝量)卻不怕隔離，馬不停蹄去不同地方演出，除了因為想念各地樂迷外，更重要他相信古典音樂在疫症之中能夠演現人文關懷，不但慰藉心靈，更重要是鼓勵觀眾擁抱生命中的美好。繼早前牛牛為日本觀眾演出最新專輯內的貝多芬《月光奏鳴曲》和《第五交響曲》的鋼琴版本後，他上星期特地為香港樂迷在香港管弦樂團的演出…

昔日立場