曾任職於香港話劇團的舞台劇演員雷思蘭病逝，終年 65 歲。

雷思蘭的死訊昨日已於圈中流傳，多名劇界人物致哀，包括：編劇杜國威及黃詠詩、演員凌文龍等。黃詠詩<a href="https://www.facebook.com/permalink.php?story_fbid=10160016108525606&amp;id=155958195605">在 Facebook 發帖</a>，形容雷思蘭「體貼溫暖」，稱「你的溫暖永在我心」。曾任香港話劇團全職演員、與雷思蘭共事過的<a href="https://www.facebook.com/siulunglingmanlung/posts/274673584473097">凌文龍則表示</a>，難忘她「在𨋢口也能聽見的笑聲」，並感謝她十年以來的照顧。

香港話劇團今日（9 月 13 日）確認死訊，並由藝術總監陳敢權<a href="https://www.facebook.com/125415688981/posts/10159993890768982/">在 Facebook 撰文悼念</a>。他稱雷思蘭「戲路寬廣、演唱兼擅」，是「本地劇壇不可多得的演員」。千禧年代初，話劇團由官辦模式轉向公司化，雷思蘭一度兼任外展教育的職務，確立該部門的分工雛形，「不但敬業樂業地做好自己本分，也對後輩加以指導和提攜」。他又形容，雷思蘭與話劇團共同成長，「更可說是她把其藝術生涯中最光輝的歲月都奉獻給話劇團」。

話劇團前行政總監陳健彬<a href="http://www.101arts.net/19artsnewsitemcontent.php?category=戲劇&amp;contentid=2765&amp;fbclid=IwAR3b2r-JKzdd0VJeO8EzF8f4wmTIX-wkn59_zf-iz7j_qqlMVcoteXiJQ_8">向《101藝術新聞網》透露</a>，雷思蘭上個劇季以身體轉弱為由，向劇團提出請辭。今年 3 月的《玩轉婚前身後事》原為告別演出，卻未料在入台第一天的綵排時，她突然感呼吸困難，檢查後確診末期肺癌。

出生於廣州的雷思蘭，憑著女中音的歌喉加入廣州歌舞團，任職專業聲樂演員，其後更獲中央音樂學院取錄。惟因父親工作需要，她隨父到港，自 1983 年起在香港話劇團當全職演員。1990 年，她一度離開話劇團，赴加拿大產女，其後回港繼續演藝事業。從演超過 30 年，她參演的劇目多達 170 個。近年，她仍然活躍於幕前演出，主演《原則》、《如夢之夢》、《親愛的，胡雪巖》、《最後晚餐》、《失禮‧死人》等，並憑著《失禮‧死人》獲得第二十五屆香港舞台劇獎最佳女配角（悲劇／正劇）。

曾任職於香港話劇團的舞台劇演員雷思蘭病逝，終年 65 歲。雷思蘭的死訊昨日已於圈中流傳，多名劇界人物致哀，包括：編劇杜國威及黃詠詩、演員凌文龍等。黃詠詩在 Facebook 發帖，形容雷思蘭「體貼溫暖」，稱「你的溫暖永在我心」。曾任香港話劇團全職演員、與雷思蘭共事過的凌文龍則表示，難忘她「在𨋢口也能聽見的笑聲」，並感謝她十年以來的照顧。香港話劇團今日（9 月 13 日）確認死訊，並由藝術總監陳敢…

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舞台劇演員雷思蘭病逝　終年 65 歲

無人的課室，整齊的桌椅，如放課後。不尋常的是，桌面放著膠袋，膠袋包裹著書本和文具。一枱一袋，煞是壯觀。這裡是日本福島縣某學校的課室，也是廢墟攝影專頁「荒凝止息」負責人 Sing Chan 在 311 地震後到訪當地目睹的震撼畫面，「大家起初都以為學生會回來，所以把他們的物品都打包好。一直等著。」

自 2013 年起，曾任平面設計師的 Sing Chan 成立 Facebook 專頁分享廢墟攝影作品。近十年，他走訪香港數百個不同廢墟。香港的廢墟大多是因為人口流動、社會變遷而形成，故他在 2016 年展開「第二類廢墟文化」研究，到訪日本福島考察當地災難修復的情況，拍攝天然或人為災害而突然出現的廢墟。此後，他在 2018 年再赴烏克蘭的切爾諾貝爾，繼續「核災廢墟」的拍攝主題。相關作品整理後，近日在合舍舉行題為「剝‧極而復」展覽陳示。

Sing Chan 向《立場》表示，早於去年中為「核災廢墟」系列策劃展覽，但因疫情關係一直未能覓得場地，最終今年促成與合舍的合作，讓作品有機會示人。他在分享會上談及兩次到訪核災區的見聞，切爾諾貝爾和福島面貌各有不同。

切爾諾貝爾核事故距今超過 30 年，Sing 指少數老人重返當地，種田維生。與其說，他們對這個地方特別有感情；不如話，他們因為貧窮而無處可逃。加上，他們很多都行動不方便，依靠巡邏的警察和消防員送贈物資。當地雖然尚有旅館營業，但主要服務軍事人員，而非旅客。Sing 說大概是因為烏克蘭經濟較差，所以幾乎沒有災區管理措施，「除了用石棺蓋住核電廠之外，其他地方都沒有人打理，變成野生動物樂園，夜晚還會聽到牠們的叫聲呢」。

相對而言，Sing 在 2016 年首次到訪福島。街頭雖然已無行人，但路燈還是亮著的。除了有人回到學校替學生打包物資之外，另有工作人員清理表層泥土，將可能受污染的物資打包封存。他又形容，無人的學校雖然鋪滿塵埃，但設施完備，「唔似廢墟，反而似放學」。兩年後，他再次回到福島，部分設施已經重開，例如：油站和鐵路站——還有穿著校服的人下車，相信部分居民已經搬回來住。

走訪兩個核災廢墟，Sing 有感於日本資源較充裕，事發後可多作補救；但切爾諾貝爾那樣「無為而治」也未嘗不是另一種「善後」的方法，「保持廢墟原狀，永遠記得核技術的問題」。每個廢墟都曾經熱鬧，甚至滿載希望。隨著人們漸漸離去，或其他不同因素而走向衰亡，淪成廢墟。今時今日再做廢墟攝影展，他認為更多一層意義，「或者可否從廢墟探索中，思考如何令香港重生的方法」。正如展覽主題，取自《易經》卦象「剝極必復」，寄寓香港或許「正需要由一個地方蛻變成一種游走於世界的文化，繼而成為永生不滅的思想，只有不死才可剝極而復」。

「剝‧極而復」攝影展

展期：即日起至 2021 年 9 月 19 日 
時間：12:00 - 19:00 (逢星期二休息) 
地點：合舍 Form Society（九龍深水埗大南街186號地下） 
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無人的課室，整齊的桌椅，如放課後。不尋常的是，桌面放著膠袋，膠袋包裹著書本和文具。一枱一袋，煞是壯觀。這裡是日本福島縣某學校的課室，也是廢墟攝影專頁「荒凝止息」負責人 Sing Chan 在 311 地震後到訪當地目睹的震撼畫面，「大家起初都以為學生會回來，所以把他們的物品都打包好。一直等著。」自 2013 年起，曾任平面設計師的 Sing Chan 成立 Facebook 專頁分享廢墟攝影作品…

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「荒凝止息」廢墟攝影展　透視「美麗」核世界

人們總為着某些緣由，循環播放某首歌曲，不停翻看某部電影。而每趟重掇，拈來的殘餘記憶都有不同形態，觸發的情緒起伏亦有程度波幅。倘若串連起這些依附於藝術作品的心理狀態，或許便能勾勒出自己內心的軌跡。

本地藝團敲擊襄 (Toolbox Percussion) ，歷年來擷取生活素材入樂，進行大量聲景試驗，並與本地一批當代作曲家合作，推敲城市周遭的擊樂節奏。今夏，團隊便以「雙重聆聽」作為策展原點，在中環 H Queen’s 舉行一個為期二十天的聲景展覽。

題為《A Double Listen 襄音》的展覽，分作兩個區域，一則重新呈現敲擊襄過去的委約創作和常演曲目，另則融攝展覽場地的聲浪活動、光線、空間佈置，甚至窗外的市景變換，度身創造三組裝置作品，指向「雙重聆聽」的佈局。在聲景的遞嬗間，三組作品裏的留白，乃至作品之間的空隙，均讓觀展者自然而然地補白。整部製作得以跨越藝術考量的層面，真正回到觀展者自身的生活。

三組裝置作品以當代作曲家林丰的〈圈〉作序。這些年間，他屢與敲擊襄聯手，交出不少偏鋒創作，今趟展覽同場的另一作品《全球暖化聲序》I 及 II 便可見一斑：作品巧以轉喻關係為橋樑，以音高和樂句長度，對譯極端天氣數據。

相較這一類立意迂迴的符碼關係，以麻雀作為敲擊樂器的〈圈〉，立意則直接了當。這部偶然音樂的奇想，建基於港式麻雀糊牌準則之上。不同牌面組合，與不同敲擊節奏組合的對舉，乃至中、發、白組合預留讓樂手作即興演奏的空間，雙雙深化偶然音樂 (indeterminate music) 的體現。說到這裏，觀展者油然想起約翰．基治 (John Cage)。

這邊廂〈圈〉中的現代麻雀系屬中國古代天罡地煞，追源溯本，基治又曾在《易經》六十四卦象的基礎下，創作出〈變化的音樂〉(Music of Changes) ，透過嶄新記譜法，嚴謹地將自然引進音樂作品，讓卦象組合主宰音長和音高，為每次演奏創造獨一無二的聲響。

此外，〈圈〉採用生活化素材入樂，又令人想起基治 1959 年的〈水的漫步〉(Water Walk)。作品以大量起居空間常見的日用品入樂，如壓力煲、膠鴨，以及收音機等，聽眾會會心微笑。而這類家庭聲景，如今便在〈圈〉的麻雀檯上重現。

當麻雀文化變成作品主體，作曲家不只為偶然音樂落下另一角度的註腳，同時亦為城市生活重塑一點諧趣。麻雀檯是昔日鄰睦和家庭關係的象徵物，即使在公屋走廊開檯耍樂，不是今天唱的調，但四方聚頭的氛圍，仍指代大眾印象中的美好。這部作品的實體呈現，亦來得份外直白，僅憑一張配合投影畫面展示的麻雀檯，便能有效地增強與觀展者生活日常的粘連。

〈But it’s been a long long while〉

我喜歡聽市聲。比我較有詩意的人在枕上聽松濤，聽海嘯，我是非得聽見電車響才睡得著覺的。在香港山上，只有冬季裡，北風徹夜吹著常青樹，還有一點電車的韻昧。長年住在鬧市裏的人大約非得出了城之後才知道他離不了一些什麼。城裏人的思想，背景是條紋布的幔子，淡淡的白條子便是行馳著的電車——平行的，勾淨的，聲響的河流，汩汩流入下意識裡去。

張愛玲〈公寓生活記趣〉（節錄）

保持一段最安好的距離，祖師奶奶曾把常德公寓外的城市聲景，描述得豐盈細緻。策展人何映宜籌備《襄音》展覽期間，亦油然想起〈公寓生活記趣〉一文。沿着「聲響的河流」漫溯，乍聽入耳的不是喧囂，而是寧靜。這種城市的隱逸者的步調，在作曲家趙朗天的〈But it’s been a long long while〉，得到很實在的延伸。

〈But it’s been a long long while〉，是一部沉浸式 (immersive) 作品，觀展者需要坐在展覽場地中央的椅子，任由聲音和影像光線包圍。四個落地式揚聲器、指示燈、指向性揚聲器、蠟面屏幕 (glossy screen)、走馬燈屏幕，以及卡式帶收音機，環繞中間的椅子擺放。

蘊釀這部作品時，作曲家和策展人已決定採用蠟面屏幕，因為半透明的物料，呈現了雙重曝光的視覺效果：「除了那塊屏幕展示的投影，窗外的實景還能穿透屏幕，來到觀展者眼前。趙朗天挑選了他在柏林、巴黎和華隆先 (Valenciennes) 拍下的定鏡市景，然後與落地大窗外的中環鬧市並置，呈現不同節奏的流動。」

告別〈圈〉的躍動，這邊的揚聲器僅以持續長音 (drone) 的姿態，發出一個位於 A 音的低鳴，它所展現的不是馬勒一開局的萬籟俱寂，亦不是樂團試音時的沉穩安定，反而是一種懸垂的狀態。這層游離的聲浪，縈繞不去。聲音來回往復，時間的向前感漸漸退卻，觀展者很快便能沉浸於當下，暫時脫離時間推演的節奏。

因此，這趟視聽體驗終歸是抽離的：即使觀展者看到市景，目睹人們的移動，但耳畔卻聽不到似曾相識的市聲。人們總認為，市聲和市景是如影隨形的，但當作曲家抽空原來的聲音，為市景重新配樂，影像與聲音的距離會被拉開，讓觀展者運用記憶，自行填充當中的空隙。因此，表面上蠟面屏幕提供了一個從居所外看的視角，但整個裝置同時在引導觀展者，聯想自己記憶中的城市聲響。

延續〈圈〉的隨機性，〈But it’s been a long long while〉多部發聲裝置，聲浪質感各異，有尖銳，有微弱，亦有低傳真處理。這些裝置兀自循環播放不同長度的聲音檔案，而裝置之間互不連接，所以觀展者每一次坐在椅子上，都會聽到截然不同的聲音質感和織體，這又是另一款偶然性。而在偌大的展覽場地，策展團隊亦利用聲波的反彈，模糊聲音來源的方向感，讓聆聽者產生錯覺。

就是憑藉這些偶然和錯覺，每一趟視聽體驗的感知，才來得獨一無二。

聲音流動，其實記憶如是。人們重訪記憶中的過去，又有幾多這樣的偶然和錯覺？忽然想起蠟面屏幕下方的走馬燈，滑過以下的對白：

Samantha: The past is just a story that we keep telling ourselves.

《Her》

〈Et l’après，傢俱音樂裝置〉

我們一直給自己言說的，是一個怎樣的過去？帶着零碎的關鍵詞和問號，〈Et l’après，傢俱音樂裝置〉足以讓人走進深邃內心探詢。

木製沙發、長櫈和柔黃檯燈，在窗邊一隅陳列成極簡佈局。作品的聲音狀態，亦由適才的氤氳，轉向耳筒內的親暱私密：聲浪沙啞，粗糙，間或刺耳乖張，欠缺節奏。觀展者很快便意會過來，這些聲音不再是預先設計的擊樂創作，而是環境聲音的取樣。

也許我們很少以聲音的微觀角度，聆聽別人和自己的肢體活動吧。這裏，長櫈上的耳筒，播放着的是書寫的聲音，更準確地說，是蘸了筆墨的走珠與粗糙的書紙表面磨擦的聲浪。

於是，聲音媒介幻作一道壁壘，拉開發聲者與聆聽者之間的距離。觀展者會暗忖：「究竟他／她（們）在寫甚麼？」

人們根本太習慣解碼，太習慣投奔答案那一端。戴上耳機的那一刻起，大概觀展者已經聽感全開，爬疏着磨擦聲響的節奏，揣度文字的句讀，並按聲音的質地，推敲書寫的是中文字還是羅馬字母，是詩句還是散文，這個是句號還是問號……

但聲音，始終保全了這份隱秘。

對寫作人而言，文字創作是痛苦的，因為裏面有大量意象鋪陳、佈局謀篇和機關設計的步驟，必須經漫長經營習得。所以文字作品當中的情真意切，縱然帶有直覺和靈感，措詞直白，亦已比現實曲折蒼白。

但手書抄錄不同。剝離文字，它直接展現一個人當下的情感：一撇一捺的力度，乃至筆劃的連貫性都在為你內心說話。而聲音的質地也是一樣：當策展人將書寫聲音，用作作品的主體，觀展者不得不集中於聲音的細膩變化：質感、速度、聲量、間距，統統可以讓人揣摩書寫者的心情。

然後，當聆聽者拚命向聲音裏面求索，他最終只會墜入個人想像的窪地，他會為空白補充很多自己的內容。那些補白可能源自自己之前閱讀過的字裡行間，跟着吟唱過的流行歌詞，或者曾經琅琅上口的電影對白。過程中，你可以觀照記憶的反射迴路，聽到幾近揉碎了的文字，然後頓覺：「對啊，一段時間沒再看過那齣戲／那本書／那首歌了。」

這裏的「雙重聆聽」，表面在聽別人，終歸是聽自己。

如果觀賞別人妙筆生花是一趟療癒過程，聽人書寫便是在療癒之上，疊加一課重新認識自己的練習。

最終書寫者親自揭開聲音的底蘊，聆聽者或會心頭一顫：

淵明詩中無蝶字；

而我乃獨與菊花有緣？

淒迷搖曳中。驀然，我驚見自己：

飲亦醉不飲亦醉的自己

沒有重量不佔面積的自己

猛笑著。在欲晞未晞，垂垂的淚香裡。

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周夢蝶〈十三朵白菊花〉（節錄）

一顫，因為猛然醒覺，觀展期間當真「驚見」自己。

記得策展人何映宜緩緩說白：「〈十三朵白菊花〉是我在籌備展覽時抄寫的，抄寫時也有流下淚來……一部作品，最終應讓所有人照見自己，作曲家、策展人、演奏家、觀展者都是，而非只照見其他人。不然，我們都會很迷失。」

遠看〈傢俱音樂裝置〉第二個耳筒，就放置於窗邊的沙發上。觀展者坐在沙發，戴起耳筒，迎來全展最後一段聲景。

策展團隊事先把耳筒接駁至藏在沙發下方的咪高峰，所以耳筒內傳送的，是觀展者身姿變換而觸發的即時聲景。

而當觀展者一人分飾兩角，既是聆聽者，同時是發聲者，先前在第一個耳筒內產生的壁壘，便在剎那間消散掉。一個看似微小的身體動作，都能在耳畔化作尖刺般的聲響，聆聽者或會感覺煩厭。但當你欲摘下耳筒之際，才醒覺那些惱人的雜訊，來自自己的軀體。

常言道要與內心對話，其實我們怎樣才能跟內裏的自己溝通？破開說話的外殼，人類的軀體無時無刻都在製造很多聲音，人們卻經常忽略這些聲音。而身姿與情感之間，本就有着循環互維的牽繫，所以耳筒內聽到的，很可能是自身當下的情緒表現。

忽然聯想起劇場訓練有個很流行的練習，需要學員凝視鏡中的自己。當你與鏡中人四目交投，尷尬的對望一段時間後，不少學員都會潸然淚下。因為那是我們無從避開自己嘴臉的時候，突破溝通盲點的時候：一切瘡疤、皺紋、疲態，外在的，內裏的，都一覽無遺。那個狀態通常會伴隨一種久違的感觸——原來我們很少有機會，這樣觀照自己。

或者用耳筒聽自己，就是這樣的一種鏡子凝視練習，內裏的那個自己，自然而然會讓你了解他／她的一點點聲音；而沒有把這一撮餘裕留給自己的話，那些聲音不會出來。

無論世界失序或坍陷，聲音仍然在走它要走的軌跡和規律，仍然是人們生活中很關鍵的條件，不會完全消弭。《A Double Listen 襄音》就從擊樂藝術，確立了這一點。利用聲音尋找澄明心安，在當世是種奢侈的達觀；但至少，可以窩在自己的聲景空間裏隱逸半晚，暫時棲息，是種得來不易的幸福。

“A Double Listen” 襄音 
A sound-based exhibition at H Queen’s

觀展日期：2021 年 7 月 8 日 
觀展時間：傍晚 6 至 8

（貳零貳壹年玖月貳日晚，修訂於肆日午。）

人們總為着某些緣由，循環播放某首歌曲，不停翻看某部電影。而每趟重掇，拈來的殘餘記憶都有不同形態，觸發的情緒起伏亦有程度波幅。倘若串連起這些依附於藝術作品的心理狀態，或許便能勾勒出自己內心的軌跡。本地藝團敲擊襄 (Toolbox Percussion) ，歷年來擷取生活素材入樂，進行大量聲景試驗，並與本地一批當代作曲家合作，推敲城市周遭的擊樂節奏。今夏，團隊便以「雙重聆聽」作為策展原點，在中環 H…

當年今日